Diese Woche freuen wir uns sehr, einen besonderen Gast, @himlain, eine talentierte Künstlerin, die für ihre beeindruckenden Zeichnungen und Illustrationen bekannt ist. Mit ihrem lebendigen kreativen Stil und ihrer ausgeprägten künstlerischen Stimme hat sie sich durch ihre ausdrucksstarken Arbeiten eine faszinierende Präsenz aufgebaut. Heute freuen wir uns, sie bei uns begrüßen zu dürfen, damit sie ihre Leidenschaft und ihre Einblicke in die Welt der Kunst mit uns teilt
1. Erzähl uns ein wenig über dich und deinen künstlerischen Weg. Wie hast du deinen Illustrationsstil gefunden und wann hast du begonnen, dich ihm zu verschreiben?
Mein kreativer Weg ist eigentlich kein Weg, sondern vielmehr die Luft, die ich atme. Ich kann mich nicht daran erinnern, jemals nicht gezeichnet zu haben – ein Bleistift landete in meiner Hand, bevor ich sprechen konnte, etwa im Alter von zwei Jahren. Kunst war für mich nie ein Hobby oder eine vorübergehende Phase; sie ist ein grundlegendes Bedürfnis, so natürlich wie Schlafen oder Essen.
Meine ersten ernsthaften Schritte machte ich an einer Kunstschule, die ich im Alter von zwölf Jahren besuchte. Dort lernte ich, Formen zu sehen, die Magie der Linienführung (Schraffur) zu verstehen und die Gesetzmäßigkeiten der Komposition zu beherrschen. Doch innerhalb dieser Mauern gab es eine Einschränkung: Wir lernten nicht, Porträts zu zeichnen. Und ich wollte Gesichter unbedingt auf Papier zum Leben erwecken. Damals begann meine ganz persönliche Entdeckungsreise – ich nahm es selbst in die Hand, Anatomie zu studieren, und versuchte zu verstehen, wie der menschliche Körper aufgebaut ist, nicht nur um eine Ähnlichkeit einzufangen, sondern auch, um Charakter zu vermitteln.
Die nächste wichtige Etappe war die Kunsthochschule. Dort begann die wirkliche Schule des Lebens: endlose Aktzeichenstunden, Dutzende Stunden, in denen ich an Plastizität und Proportionen arbeitete. Und je tiefer ich in die akademischen Grundlagen eintauchte, desto freier wurde meine Hand. Der Strich, der einst nur dazu diente, Tonwerte aufzutragen, wurde allmählich zu meiner Stimme. Meine Arbeiten wurden mutiger; sie zeichneten sich nicht mehr nur durch Präzision aus, sondern auch durch Charakter und diesen einzigartigen “meine” Stil, den man nicht erlernen, sondern nur fühlen kann. So entwickelte sich das akademische Fundament zu einer künstlerischen Handschrift, in der Anatomie mit Emotionen im Einklang steht und jede Linie selbstbewusst und ehrlich klingt.
2. Welches Werk macht dich besonders stolz?
Vielleicht ist das Werk, das mir am meisten am Herzen liegt, eine Animation, an der ich sechs Monate gearbeitet habe. Ich habe ein Mädchen zum Leben erweckt, und sie schien tatsächlich lebendig zu werden: Sie verfolgte den Zeichenprozess mit ihren Augen. Es war unglaublich aufwendig – Tausende von Einzelbildern, Hunderte von Stunden.
Doch das Ergebnis übertraf alle Erwartungen: Das Video erzielte 28 Millionen Aufrufe und eine überwältigende Zahl an Reaktionen. Dieses Werk ist der beste Beweis dafür, dass Beharrlichkeit und die Liebe zu dem, was man tut, immer bei den Menschen ankommen.
Hier kannst du es dir ansehen: https://www.instagram.com/reel/C5g4H9PN06S/
3. Womit beschäftigst du dich in letzter Zeit, wenn du gerade keine Kunst machst – und fließt etwas davon in deine Arbeit ein (Themen, Schauplätze, Texturen, Humor)?
In letzter Zeit gilt meine größte Leidenschaft außerhalb der Kunst dem Spazierengehen und der Natur. Ich liebe es einfach, umherzustreifen und alles um mich herum wahrzunehmen: die Struktur von Baumrinde, Spiegelungen in Pfützen und die Art, wie Menschen anders aussehen, wenn sie in Bewegung sind.
Und das fließt unweigerlich in meine Zeichnungen ein. Ich ertappe mich dabei, wie ich versuche, in meinen Porträts dieselbe Natürlichkeit zu vermitteln, die ich in der Natur sehe – lebendige Linien, keine Steifheit. Außerdem nehme ich bei meinen Spaziergängen visuelle Stille in mich auf, sodass ich später mit neuer Energie ins Studio zurückkehren und meine Animationen gestalten kann. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum meine Werke oft lebendig und atmend wirken – weil ich selbst darauf achte, viel frische Luft zu bekommen.
4. Wann hast du angefangen, Ohuhu-Produkte zu verwenden? Was liebst du an ihnen?
Ohuhu ist vor etwas mehr als sechs Monaten in mein Leben getreten, und seitdem bin ich ein begeisterter Fan. Mich hat die riesige Auswahl an Farbtönen angesprochen – besonders die luftigen Pastellfarben, mit denen unglaublich weiche Übergänge entstehen.
Und ich bin absolut begeistert von den Aufbewahrungsboxen aus Holz. Sie machen aus den Markern nicht nur einfache Werkzeuge, sondern eine echte Sammlung, die man gerne hervorholt und präsentiert. Meine Sammlung wächst jetzt, und ich möchte unbedingt, dass sie noch größer wird – denn je mehr Farben man hat, desto interessanter werden die Experimente!
5. Was machst du, wenn du in eine kreative Blockade gerätst – wie sieht deine Reset-Routine aus?
Meine wichtigste Methode, um mich während einer kreativen Krise neu zu starten, sind Spaziergänge. Ich lege meine Marker weg, verlasse das Haus und beobachte einfach die Natur und das Licht. Das macht meinen Kopf frei und bringt die Inspiration zurück. Normalerweise greift meine Hand nach einem guten Spaziergang ganz von selbst wieder zum Skizzenbuch.
6. Was nehmen die Leute bei deiner Kunst als „einfach“ an, obwohl es tatsächlich der schwierigste Teil ist?
Jeder denkt, der schwierigste Teil sei, all die Details auszuarbeiten. Aber in Wirklichkeit ist es am schwierigsten zu wissen, wann man aufhören muss. Die Leute denken, meine Zeichnungen seien leicht und schnell entstanden, doch die eigentliche Herausforderung besteht darin, diese Frische zu bewahren – das Werk nicht zu überarbeiten, sondern es lebendig und atmend zu halten. Im richtigen Moment aufzuhören – dafür braucht es höchste Konzentration.
