Wir freuen uns sehr, ins Rampenlicht zu rücken @leniepabelonia_, eine philippinische Multimedia-Künstlerin, bekannt für ihre unverwechselbaren Figurenillustrationen, ausdrucksstarken Porträts und ihren durchdachten Umgang mit Farbe und Form.
Als Autodidaktin hat Lenie einen unverwechselbaren visuellen Stil entwickelt und erkundet dabei kontinuierlich unterschiedliche Materialien, Techniken und Darstellungsweisen der menschlichen Figur. In ihren Kunstwerken und Tutorials teilt sie nicht nur die fertigen Werke, sondern auch den Lernprozess, das Experimentieren und die persönliche Entwicklung dahinter. 🎨✨
1. Erzähl uns ein wenig über dich und deinen künstlerischen Weg. Wann hast du begonnen, den Illustrationsstil zu entwickeln, der sich am meisten nach deinem eigenen anfühlt?
Ich bin Lenie Pabelonia, eine traditionelle und digitale Künstlerin von den Philippinen. Kunst war schon immer ein großer Teil meines Lebens, aber während der Pandemie im Jahr 2020 begann ich, sie ernster zu nehmen. Wie viele Künstlerinnen und Künstler hatte ich mit Beständigkeit und Selbstvertrauen zu kämpfen, aber ich übte weiter und versuchte, aus jedem Werk, das ich schuf, etwas zu lernen.
Damals hatte ich nicht einmal ein richtiges Skizzenbuch. Ich zeichnete in Notizbüchern, auf Zeichenpapier und sogar auf Zeichenkarton, meistens nur mit einem normalen Bleistift. Die Tage während der Pandemie fühlten sich sehr lang an, deshalb verbrachte ich fast jeden Tag mit Kunst. Ich versprach mir selbst, dass ich mich innerhalb von fünf Jahren als Künstlerin weiterentwickeln und selbstbewusster darin werden würde, was ich erschaffen konnte. Ich arbeitete sehr hart auf dieses Ziel hin.
Mit der Zeit begann ich endlich, einen Stil zu entwickeln, der sich nach meinem eigenen anfühlte und widerspiegelte, wer ich bin. Mein kreativer Prozess kann chaotisch sein, selbst wenn das Endergebnis sauber und ausgefeilt wirkt. Ich glaube, am wichtigsten ist für mich, den Prozess zu genießen und mir die Freiheit zu geben, Dinge zu erkunden, ohne alles zu sehr zu überdenken.
2. Viele deiner Arbeiten haben eine sanfte und zugleich leicht verträumte Wirkung. Woher kommt diese Stimmung deiner Meinung nach, und ist sie etwas, das du bewusst erzeugst?
Diese Eigenschaft hat sich ganz natürlich entwickelt und war nichts, was ich von Anfang an geplant hatte. Normalerweise beginne ich ein Werk nicht mit dem Ziel, es vollkommen sanft oder verträumt wirken zu lassen. Ich konzentriere mich einfach darauf, Freude am kreativen Prozess zu haben und dem zu folgen, was sich im jeweiligen Moment für mich richtig anfühlt.
Manchmal weiß ich erst ganz am Ende, wie ein Werk aussehen wird. Ich lasse mich gern von meiner eigenen Arbeit überraschen, und ich glaube, dieses Gefühl von Freiheit und Neugier verleiht meiner Kunst ihre sanfte und verträumte Wirkung.
3. Wenn du eine Figur entwickelst, was kommt für dich normalerweise zuerst: ihr Aussehen, ihre Persönlichkeit, ihre Emotionen oder eine Geschichte, die dir vorschwebt?
Wenn ich eine Figur entwickle, stammt die erste Idee normalerweise aus meiner Fantasie und den Gefühlen, die ich zu diesem Zeitpunkt empfinde. Ich beginne nicht immer mit einer vollständigen Geschichte oder einer klaren Vorstellung davon, wie die Figur aussehen sollte.
Wenn ich zu zeichnen beginne, zeigen sich ihr Aussehen und ihre Persönlichkeit allmählich. Die Figur entwickelt sich ganz natürlich durch die Gefühle, die ich in das Werk einfließen lasse, sodass es sich oft so anfühlt, als würde ich während des Schaffens entdecken, wer sie ist.
4. Auf welches deiner Werke bist du besonders stolz? Hast du durch seine Entstehung etwas Neues über dich selbst oder deine Kunst gelernt?
(Wir würden das Werk gerne als Bild aufnehmen, wenn möglich!)
Ich liebe alles, was ich erschaffe, daher fällt es mir schwer, einen einzigen Favoriten auszuwählen. Dieses Werk mit Porträts älterer Menschen schätze ich jedoch ganz besonders. Ich finde ihre Gesichter und Gesichtszüge sehr einzigartig, und das hat mich dazu inspiriert, sie darzustellen.
Die Vorlagen waren einfach Fotografien, die ich auf Pinterest gefunden hatte, aber etwas an ihren Gesichtern erregte sofort meine Aufmerksamkeit. Ich wollte sie zeichnen, weil sie dadurch gewissermaßen ein wenig länger in meinem Skizzenbuch weiterleben können. Nichts auf dieser Welt ist dauerhaft, aber Kunst gibt uns die Möglichkeit, Menschen, Gefühle und kleine Momente zu bewahren, die sonst vielleicht in Vergessenheit geraten würden.
Dieses Werk hat mich daran erinnert, wie bedeutungsvoll die Existenz von Kunst sein kann. Künstler können gewöhnliche Dinge wahrnehmen, sie wertschätzen und ihnen etwas Besonderes und Bleibendes verleihen. Es gibt ein Zitat: „Wenn sich ein Künstler in dich verliebt, kannst du niemals sterben“, und ich finde, dass es perfekt ausdrückt, was dieses Werk für mich bedeutet.
5. Gibt es mit Blick auf die Zukunft ein bestimmtes Projekt oder kreatives Ziel, auf das du dich besonders freust und hinarbeiten möchtest?
Im Moment habe ich kein konkretes Projekt und kein bestimmtes Ziel geplant. Ich bin weiterhin offen dafür, verschiedene Ideen auszuprobieren und zu sehen, wohin meine Kreativität mich als Nächstes führt.
Im Moment möchte ich weiterhin Kunst schaffen, meine Fähigkeiten verbessern und den Prozess genießen, ohne mich zu sehr unter Druck zu setzen. Ich bin gespannt, was ich in Zukunft erschaffen könnte, auch wenn ich noch nicht genau weiß, was das sein wird.
6. Wie waren deine Erfahrungen mit Ohuhu-Produkten in deinem kreativen Prozess, und was ist dir dabei besonders aufgefallen?
Die Verwendung von Ohuhu-Produkten war eine so farbenfrohe und angenehme Erfahrung. Ich liebe ihre Qualität und wie viel Freude sie in meinen kreativen Prozess bringen.
Was mir am meisten auffällt, ist, wie nahtlos die Farben ineinander übergehen und miteinander verschmelzen. Ich liebe auch, wie intensiv und pigmentiert die Farben sind, wodurch meine Kunstwerke lebendiger und ausdrucksstärker wirken. Mit den verschiedenen Farben zu experimentieren, hat den gesamten Prozess für mich noch aufregender gemacht.
