Wir freuen uns sehr, @lorkelle ins Rampenlicht zu rücken – eine Künstlerin, die für ihre ausdrucksstarken Tierporträts und ihren wunderbar unerwarteten Einsatz von Farben bekannt ist.
Durch die Verbindung genauer Beobachtung mit Fantasie verwandelt sie vertraute Tiere in lebendige Charaktere voller Persönlichkeit, Bewegung und Charme. Mit spielerischen Farbpaletten, ausdrucksstarken Strichen und einem unverwechselbaren visuellen Stil lädt ihre Arbeit dazu ein, die Tierwelt auf eine farbenfrohere, neugierigere und persönlichere Weise zu betrachten.
1. Erzählen Sie uns ein wenig über sich und Ihren künstlerischen Werdegang. Und wann begannen Sie, sich auf Ihren charakteristischen Illustrationsstil zu konzentrieren?
Ich würde definitiv sagen, dass es eine Achterbahnfahrt war! Ich war nicht eines dieser Kinder, die einen Buntstift in die Hand nehmen und nie wieder aufhören zu zeichnen. Mein Interesse an Kunst entwickelte sich erst, als ich auf die weiterführende Schule kam, und meine Kunstlehrerin war für jeden Aspekt der Kunst SO begeistert, dass ich gar nicht anders konnte, als neugierig darauf zu werden, was sie dabei empfand. In meiner Jugend zeichnete ich also viel Fan-Art, besonders zu Videospielen. Als ich dann an die Universität ging, hörte ich einfach … auf. Zehn Jahre später fand ich mich irgendwie auf einer Website wieder, von der ich noch nie gehört hatte: Deviantart. Das inspirierte mich dazu, wieder anzufangen – danke an Loish, Artgerm und Sakimichan. Weitere zehn Jahre später kündigte ich schließlich meinen Job, um hauptberuflich Künstlerin zu werden, und nun sind wir hier!
In dieser Zeit habe ich VIELE Stile ausprobiert, aber ich habe das Gefühl, dass ich erst in den vergangenen drei Jahren zu einem Stil gefunden habe, der hoffentlich wiedererkennbar ist. Ehrlich gesagt glaube ich, dass der Wechsel von hauptsächlich digitaler zu traditioneller Kunst in mir kreativ etwas freigesetzt hat und ich nun auf eine Weise arbeite, die sich natürlicher nach „mir“ anfühlt.
2. Ihr Einsatz von Farben ist oft kräftig und unerwartet. Wie wählen Sie Farben aus, die über eine realistische Darstellung hinausgehen und sich dennoch dem Motiv treu anfühlen?
Ich habe das Gefühl, dass sich das erst im vergangenen Jahr oder so entwickelt hat. Davor fiel mir die Farbauswahl wirklich schwer, und ich hielt mich ausschließlich an Farben, die ich in der Realität tatsächlich sehen konnte. Der Wendepunkt für mich war die Teilnahme an der Zeichen-Challenge Doggust in Verbindung mit Acrylmarkern. Da ich nur eine begrenzte Farbauswahl hatte, musste ich kreativ werden. Am einfachsten lässt es sich so beschreiben: Ich berücksichtige den Tonwert und ordne ihm eine andere Farbe zu. Während Doggust kolorierte ich beispielsweise schwarze Hunde entweder dunkelblau oder lila, da dies die dunkelsten Marker im Set waren, und nutzte anschließend ein wenig Magie der Farbtheorie – Komplementärfarben. Genauso gehe ich vor, wenn ich etwas zeichne, das Weiß darstellen soll: Ich verwende vielleicht ein Pastellblau oder Rosa, weil diese Farben den Tonwert am besten wiedergeben. Ich glaube, das menschliche Auge ist besser darin, Tonwerte zu verstehen. Wenn man das richtig hinbekommt, sind die Möglichkeiten mit Farben endlos. Man braucht nur ein wenig Mut und Übung!
3. Womit beschäftigen Sie sich, wenn Sie gerade keine Kunst machen – und findet etwas davon Eingang in Ihre Arbeit?
Ja, aber mein Leben ist sehr routiniert und langweilig! Meine andere große Liebe außerhalb der Kunst – abgesehen von meiner Familie natürlich – ist das Fitnessstudio. Ich habe ein Jahr lang pausiert und wirklich unterschätzt, wie sehr sich das auf meine körperliche und geistige Gesundheit auswirken würde. Es ist eines dieser unverzichtbaren Dinge, die dafür sorgen, dass ich gut genug funktioniere, um überhaupt Kunst machen zu KÖNNEN.
Vor einigen Jahren sind wir aufs Land gezogen, und so ist Gartenarbeit zu einer regelmäßigen Aufgabe geworden, die mir ans Herz gewachsen ist. Bis dahin hatte ich nicht so viel Kontakt zur Natur. Deshalb glaube ich nicht, dass es ein Zufall ist, dass sich die meiste Kunst, die ich heute erschaffe, um Tiere dreht! Dieses Jahr hatten wir regelmäßig Besuch in unserem Garten: einen Fasan, den wir Phil genannt haben. Ihm habe ich eine Skizzenseite gewidmet. Außerdem dokumentiere ich all die verschiedenen Vogelarten, die ich in unserem Garten sehe, denn ich habe vor, sie alle zu zeichnen – bisher sind es etwa 20 verschiedene Arten, und es werden immer mehr!
4. Auf welches Werk sind Sie besonders stolz? Hat Ihnen der Entstehungsprozess etwas Bemerkenswertes beigebracht?
Oh wow, okay, ich habe zwei gemeinsame Favoriten – und dabei wird auch meine Obsession deutlich. Beide stammen aus dem Jahr 2014, dem Jahr, in dem ich begann zu lernen, wie man digital Kunst erschafft. Damals war ich nach der zehnjährigen Pause zur Kunst zurückgekehrt, hatte also noch keinen wirklichen „Stil“, aber meine Leidenschaft für das Erschaffen und Lernen war größer denn je. Beide Werke sind Fan-Art zu Final Fantasy VIII, einem meiner absoluten Lieblingsspiele. Und wenn mich jemals etwas über Ausdauer beim Erlernen eines neuen künstlerischen Mediums gelehrt hat, dann sind es diese Werke – sie umfassen all das, was ich dabei gelernt habe. Das Bild von Squall, der sich auf den Kampf gegen den Malboro vorbereitet, brachte mir auf Deviantart eine Daily Deviation ein, was damals eine RIESIGE Sache für mich war! Ich fühlte mich wie ein Star! Haha. Und das GFs-Bild ist einfach … unglaublich. Ich kann nicht glauben, dass ich die Ausdauer hatte, es zu erschaffen. Beide sind inzwischen alt und voller Fehler, aber ich liebe sie von ganzem Herzen.
5. Wann haben Sie angefangen, Produkte von Ohuhu zu verwenden? Was lieben Sie daran?
Ich glaube, das ist inzwischen über drei Jahre her! Ich kaufte mir das 320er-Honolulu-Set, und damit begann meine wunderbare Reise mit Ohuhu. Ich erinnere mich, wie begeistert ich davon war, wie leicht sich die Farben verblenden ließen. Das hat meine Liebe zur traditionellen Kunst praktisch neu entfacht. In den vergangenen drei Jahren habe ich die meisten Ohuhu-Produkte ausprobiert, und sie sind immer diejenigen, zu denen ich am häufigsten greife. Ich sehe, wie viel Sorgfalt und Liebe zum Detail in jeder neuen Veröffentlichung steckt, ebenso wie die Verbesserungen, die das Leben von Künstlerinnen und Künstlern deutlich erleichtern – insbesondere die weiche Keilspitze, meine bisher allerliebste Verbesserung!
6. Welche Tipps oder Ratschläge würden Sie anderen geben, die ihren eigenen künstlerischen Stil entwickeln möchten?
Es ist leichter gesagt als getan, aber bitte versuchen Sie, sich nicht mit anderen Künstlerinnen und Künstlern zu vergleichen – besonders nicht mit denen, die sehr erfahren sind! Ich glaube, nichts behindert die Kreativität mehr als der Gedanke, nicht gut genug zu sein, vor allem, wenn man etwas Neues ausprobiert. Die Entwicklung eines Stils kann viele Jahre dauern, und es ist sehr wichtig, diese Entwicklung zuzulassen. Es gibt so viele Dinge, die einen Stil beeinflussen können. Ich halte es für sinnvoll, möglichst viele dieser Einflüsse zu erkunden und herauszufinden, welche davon Ihnen in Ihrer Kunst die größte Freude bereiten. Mit der Zeit wird daraus schließlich Ihr eigener, unverwechselbarer Stil.
